Es sind die Jahre 1895 bis 1918. Kaiserreich. Die Erfindungen von Thomas Edison (USA) und den Brüdern Lumière (Frankreich), von den Brüdern Skladanowsky, Oskar Messter und Guido Seeber führen zur Projektion bewegter Bilder. Gefilmt werden Aktualitäten oder kleine Geschichten. Als die erzählten Geschichten etwas komplizierter werden, gewinnen die Schauspieler an Bedeutung: Zu den ersten Filmstars gehören Henny Porten aus Berlin, Asta Nielsen aus Kopenhagen, Fern Andra aus Natzeka, Illinois (USA). Die leidende Madonna, die moderne Frau, die quirlige Artistin. Es entstehen frühe Formen der Vermarktung, weil sich das Zuschauerinteresse sehr auf Darsteller konzentriert. 

Robert Wiene "Das Cabinet des Dr. Caligari" Deutschland 1920 Bildmitte: Werner Krauss in  der Rolle des Dr. Caligari Filmmuseum Berlin - Deutsche Kinemathek

Ein erster Mythos: "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920). Der expressionistische Film von Robert Wiene mit Conrad Veidt, Werner Krauss und Lil Dagover handelt von Traumata und Ängsten nach einem verlorenen Krieg. Die Spielorte - Kleinstadt, Jahrmarkt, Irrenanstalt - sind gemalte Architektur. Das einzige erhaltene Drehbuch aus dem Nachlass von Werner Krauss ist im Besitz des Filmmuseums Berlin. Hermann Warm, der Szenograf, hat in den sechziger Jahren ein Ateliermodell nachgebaut.

Film in der Weimarer Republik: Zwischen 1918 und 1933 erlangte der deutsche Film Weltgeltung. Vor allem vier große Regisseure haben die Zeit geprägt: Ernst Lubitsch, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst. Ihnen und einigen wichtigen Protagonisten (Emil Jannings, Peter Lorre, Louise Brooks) ist der Raum gewidmet. Aber es geht auch um die Großstadt, den Bergfilm, den proletarischen Film. Und: Chaplin in Berlin; die Zensurfälle "Bronenosez Potemkin" (Panzerkreuzer Potemkin) und "All Quiet on the Western Front" (Im Westen nichts Neues).

Ein spezieller Mythos: "Metropolis" (1927). Der Science-Fiction-Film von Fritz Lang mit Heinrich George, Gustav Fröhlich und Brigitte Helm ist eine frühe Meisterleistung der Filmarchitektur und der Effekte. 36.000 Statisten, futuristische Studiobauten, eineinhalb Jahre Drehzeit, Produktionskosten in Rekordhöhe. In der Ausstellung sind Figuren (Maschinen-Maria, Der Tod und die sieben Todsünden), Entwürfe, Dokumente, Plakate zu sehen. Und Katastrophen-Szenen aus Fritz Lang-Filmen. Im "Metropolis"-Bereich steigen die Besucher vom dritten ins zweite Obergeschoss hinab.

Wer Ruhm und Geld vermehren möchte, geht in den zwanziger Jahren von Berlin nach Hollywood: Transatlantik. Das Raummotiv ist ein Schiffsdeck. Ernst Lubitsch wandert schon 1922 nach Amerika aus, Friedrich Wilhelm Murnau 1926, Wilhelm Dieterle 1929. Der deutsche Darsteller Emil Jannings erhält für zwei seiner amerikanischen Filme 1929 den ersten je an einen Schauspieler vergebenen "Oscar" (ein besonders wertvolles Exponat). Für eine deutsch-amerikanische Verbindung stehen auch Luis Trenker, Paul Leni, Paul Kohner - und Marlene Dietrich.

Deutschlands einziger Weltstar: Marlene Dietrich. Nach der Uraufführung des "Blauen Engel" (1930) folgt sie ihrem Regisseur Josef von Sternberg nach Hollywood. Sie macht Karriere und erleidet Krisen. Sie ist umgeben von friends and lovers, spielt Haupt- und Nebenrollen in 52 Filmen. 1978 nimmt sie Abschied von der Öffentlichkeit. Sie stirbt 1992 in Paris und wird in ihrer Geburtsstadt Berlin beerdigt. In ihrem Nachlass, der im Filmmuseum Berlin betreut wird, sind alle Phasen ihres Lebens aufbewahrt. Fo tos, Kostüme, Requisiten, Briefe, Dokumente. Es war auch ein politisches Leben. Die Dauerausstellung widmet Marlene Dietrich drei Räume.

Ein Raum zum Film "Olympia" (1938) von Leni Riefenstahl, jener Starregisseurin im Nationalsozialismus, die sich bis heute im Spannungsfeld zwischen Ruhm und Verachtung befindet. Sie gilt einerseits als geniale Bildgestalterin und andererseits als ehemalige Hitler-Gefolgsfrau, die sich für ihren politischen Sündenfall nie entschuldigt hat. Ihre Schlüsselfilme sind "Triumph des Willens" und "Olympia" (zwei Teile). Die Ausstellung präsentiert ein Modell des Berliner Olympia-Stadions und dokumentiert, wie Riefenstahl ihre Kameras positioniert hat.

Auch der folgende Raum handelt vom Film im Nationalsozialismus. Propaganda, Kinoalltag, Opfer des "Dritten Reichs". Wie sich die Regisseure Hans Bertram, Hans H. Zerlett und Veit Harlan vom Regime vereinnahmen ließen. Flucht aus dem Alltag ins Kino zu Lilian Harvey und Willy Fritsch, Zarah Leander, Heinz Rühmann und Hans Albers. Die Verfolgung und Ermordung des Schauspielers Kurt Gerron. Die dunklen Kapitel deutscher Filmgeschichte werden mit Dokumenten und Filmausschnitten deutlich gemacht.

Flucht vor dem Nationalsozialismus: das deutsche Exil. In Hollywood war die Agentur Paul Kohner ein Zentrum der Hilfe und Vermittlung. Zu den Klienten zählten Ralph Benatzky, Curt Bois, Bertolt Brecht, Fritz Lang, Peter Lorre, Joe May, Max Ophüls, Luise Rainer, Billy Wilder. Die Dokumente in der Ausstellung bezeugen Erfolg und Misserfolg, Hoffnung und Not.

Ein Raum für Nachkrieg und Gegenwart, die Zeit von 1946 bis 2000: Ost und West, Sozialismus und Wirtschaftswunder, die Mauer, der junge westdeutsche Film, das Fernsehen, Teilung und Einigung. Die Ausstellung konzentriert sich auf Filme zur deutschen Geschichte und Gegenwart mit zehn Schauspielern: Hildegard Knef, Gert Fröbe, Günther Simon, Heinz Rühmann, Romy Schneider, Angelica Domröse, Mario Adorf, Hanna Schygulla, Otto Sander, Götz George. 

Klaus Kinski in dem Film "Aguirre, der Zorn Gottes" von Werner Herzog BR Deutschland 1972 Filmmuseum Berlin - Deutsche Kinemathek

Die dazu gehörenden Regisseure sind Wolfgang Staudte, R. A. Stemmle, Kurt Maetzig und Konrad Wolf, Ernst Marischka, Helmut Käutner, Heiner Carow, Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders und Hajo Gies. Zwei spezielle Exponate: Die "Nosferatu"-Maske von Klaus Kinski und ein Requisit aus "Lola rennt" von Tom Tykwer. 55 Jahre deutscher Filmgeschichte (45 getrennt in Ost und West), rigoros reduziert. Sonderausstellungen werden diese Zeit weiter auffächern. Regisseure und Schauspieler stehen im Mittelpunkt bei dem Gang durch die deutsche Filmgeschichte. Aber auch das Wirken von Produzenten, Autoren, Kameraleuten, Szenografen und Komponisten wird gewürdigt. An mehreren Stellen geht der Blick nach Amerika. Noch immer ist Hollywood ein Synonym für Filmkarrieren. Seit fast hundert Jahren werden Künstler und Techniker auch aus Deutschland von den offenbar unbegrenzten Möglichkeiten des amerikanischen Films angezogen. So erweist sich "Transatlantik" als ein Thema mit vielen Variationen.

Die Chronologie und die Themen machen deutlich, wie eng in der Ausstellung die Geschichte des deutschen Films mit der politischen Geschichte Deutschlands verzahnt ist. Dieser Kontext erscheint unabdingbar. Gleichwohl ist die Ausstellung keine lückenlose Dokumentation des deutschen Films von seinen Anfängen bis in die Gegenwart. Sie lässt vieles aus, sie setzt Akzente, sie basiert mit ihren Exponaten auf den Schwerpunkten der Sammlungen des Hauses. Sie regt hoffentlich dazu an, Lücken durch Lektüre zu schließen und den Überblick im Kino zu gewinnen.

Eine Filmausstellung braucht bewegte Bilder. Als Belege, als Verweise, zur Erinnerung an das Kino. Ideal wären Dauerprojektionen ohne Verschleiß des Materials, mit den unverwechselbaren Geräuschen des Projektors. Beamer und Videoeinspielungen auf Monitoren sind Hilfsmittel, die uns die fortschreitende Technik bietet. Der Gang durch die deutsche Filmgeschichte wäre ohne Bilder, ohne Zitate kaum denkbar. Die Filmausschnitte erklären die Exponate und erzählen im eigenen Fluss möglicherweise ganz unabhängig eine spezielle, zugespitzte Geschichte.

Eine weitere Ebene der Vertiefung und der aktuellen Verknüpfung bieten "Multimedia-Stationen". Sie sollen dem Besucher die Möglichkeit geben, aktiv am Geschehen teilzunehmen. Ihre Titel: "Visit your Star", "Bewegte Großstadt", "Transatlantik", "Licht und Schatten", "Idole in Ost und West", "Starometer". Hier wird vor allem das jugendliche Publikum angesprochen. Die Terminals mit ihren multimedialen Installationen bieten die Chance, Bezüge außerhalb der Ausstellungschronologie herzustellen und einige Themen bis in die Gegenwart zu verfolgen.

Das Drehbuch der Ausstellung wurde in der Deutschen Kinemathek geschrieben. Die Inszenierung lag in den Händen von Hans Dieter Schaal. Bei einer Filmausstellung ist der Gestalter so etwas wie der Regisseur. Die Exponate - da es sich nicht um Kunstwerke, sondern um Bilder und "Dinge" handelt - müssen ein Umfeld bekommen, das sie zur Geltung bringt. Die Wissenschaftler erarbeiten das inhaltliche Konzept. Sie geben das historische Material vor, bestimmen die Exponate, sorgen für den Kontext. Der Regisseur gestaltet.

"Die Raumdramaturgie folgt musikalischen Prinzipien: Stille und verhaltene Zonen gehen über in laute und schrille Bereiche, Brüche, Schnitte, Melodien, Harmonien und Disharmonien. So kann der Weg durch die Filmgeschichte auch zu einem Weg durch das menschliche Bewusstsein werden." (Hans Dieter Schaal) Zur Inszenierung einer Filmausstellung gehören Raumkompositionen, visuelle Installationen, Licht, Farbe (bei Hans Dieter Schaal: Weiß, Schwarz, Grau in allen Abstufungen), Töne, Schriften, Wegführung, Wände, Bauten in verschiedenen Materialien, Spiegel, Großfotos, hinterleuchtete Dias, Medieninstallationen, Metaphorik, Atmosphäre, auch Vitrinen und Exponate.

Zu einer Ausstellung gehört ein Katalog. Herausgegeben von Wolfgang Jacobsen, Hans Helmut Prinzler und Werner Sudendorf, erschien er im Juli in der Nicolaischen Verlagsbuchhandlung. Seit September kann man sich davon überzeugen, dass die Ausstellung hält, was der Katalog verspricht.